viernes, 25 de marzo de 2016

Offret (Making of)



Offret (Sacrificio en español) es una película de Andrei Tarkovsky, dirigida en 1986, en Suecia. La película cuenta con la ayuda de los colaboradores habituales de Ingmar Bergman, destacando la fotografia de Sven Nykvist. Ganadora de varios premios internacionales, tales como el gran premio del jurado de cannes, fue filmada por Tarkovsky en su auto exilio de la Unión Soviética. Sería su última película antes de morir a una temprana edad por los estragos del cáncer.



A grandes rasgos y siendo somero con el argumento, la película relata, en un ciclo aristotélico, el infortunio de Alexander, profesor de estética del arte, quién durante el día de su cumpleaños y bajo el contexto de un armagedon nuclear, debe tomar la desesperada decisión de perder su familia, su hogar y su cordura para recuperar el status cuo que reinaba antes del inminente apocalipsis. Debe realizar un sacrificio para recuperar la vida que de todas maneras no podrá volver a tener.







Es imposible hablar sobre la película sin referirse al contexto por el cual el director estaba pasando. Tarkovky por entonces había escapado con su familia de la URSS luego del rodaje de la película "Nostalgia". La mera idea de realizar otra película se veía nebulosa debido al cáncer que estaba desarrollando. Sin embargo, su compromiso con el cine y su filosofía, lo empujaron hacia la realización de Offret.

El film es una apología a su vida. Alexander es el mismísimo Tarkovsky realizando su ultimo Sacrificio, entregando todo lo que le rodea por el cine y su mensaje.



Es manifiesto el compromiso del Director con la película. El detallismo de cada movimiento, la milimétrica precisión de cada plano, la atención a la degradación del color en cada secuencia, solo hablan de un genio absoluto dando su último respiro.


La prueba de ello está en el largo plano de secuencia de la casa en llamas. En plena filmación de un plano de secuencia de un incendio la grúa en la que estaba montada la cámara se tranco. Debido a la importancia de esta escena, el director mandó a construir una réplica exacta de la casa en el mismo lugar donde estaba la anterior, para luego quemarla y hacer nuevamente la toma desde el principio.


Documental del Making of





jueves, 24 de marzo de 2016

Making Of: Palo Alto (2013)
  

Palo Alto es una película perteneciente al género dramático dirigida por Gia Coppola, la nieta del famoso director Francis Ford Coppola.
El guion está basado en un libro escrito por el actor James Franco, que también produjo el film.
Cuenta la historia de un grupo de adolescentes que viven en Palo Alto, California, y sus secretos más profundos.



En el making of (Hecho por la actriz Jaqui Getty), Gia Coppola cuenta desde un principio sus intenciones. Deseaba que la película proyectara la sensación más realista que pudiera conectarla con la audiencia.  Por lo que para el set, ocupó lugares reales como la habitación del personaje principal (Interpretado por Jack Kilmer), la casa de la directora y escuela donde habían asistido los actores alguna vez.




Muchos de los actores cuentan que trabajar con Gia Coppola fue una de las mejores experiencias de sus carreras artísticas (Específicamente Nat Wolff) debido a que la directora creaba un ambiente de calma para trabajar en paz y concentrados.



Durante el rodaje surgieron múltiples problemas. El actor Jack Kilmer sufrió de una fuerte indigestión el mismo día que debían grabar una de las escenas más importantes del film. Debían estar pendientes de que no tuviera algún desmayo dentro del set.
Otro de los problemas que tuvieron que enfrentar fue hacer un nuevo casting para el personaje de April, ya que  Gia Coppola sintió que la actriz que habían elegido no se comprometía con el proyecto por completo. Pero lograron comunicarse con la actriz Emma Roberts que de inmediato mostró entusiasmo ante el film a pesar de haber terminado un rodaje hace no más de dos días.



Cuando la filmación acabó, el equipo entero demostró tristeza y nostalgia de inmediato. Trabajar con Gia había sido una experiencia única. Una de aquellas que nunca podrán olvidar.



Javiera Gaete Pinto




Making Of: A Clockwork Orange

La Naranja mecánica es una película basada en la novela homónima de Anthony Burgess.

                                                 

Narra la historia de Alex DeLarge (Malcom McDowell)  un amante de Beethoven, el sexo y la ultraviolencia. DeLarge es traicionado por su pandilla y es condenado a 14 años de cárcel por un asesinato. Para reducir su pena se somete a un tratamiento Ludovico, el cual consta en forzarlo a mirar escenas de extrema violencia en una pantalla, este es incapaz de desviar su mirada ya que para esto debe estar inmovilzado y con los parpados abiertos con ganchos, mientras escucha la Novena Sinfonía de Beethoven.



El tratamiento da resultado y Alex es incapaz de ser violento y de escuchar su pieza favorita.
Durante la película vemos como Alex se reencuentra con victimas de sus antiguos actos de ultraviolencia, siendo incapaz de defenderse y llegando al puto de querer evaporarse.

La película tuvo un costo de dos millones de dólares y su lanzamiento recaudó más de 40. El 40 por ciento de las ganancias fueron para el director, así lo aseguró en un acuerdo con Warner: él tendría el control total sobre sus filmes.

A Clockwork Orange obtuvo siete nominaciones a los premios BAFTA, tres a los Golden Globes y cuatro a los Premios de la Academia. Sin embargo, el Oscar para mejor película en ese año fue para The French Connection.



Durante la escena en la que Alex es sometido a películas violentas con los ojos abiertos sostenidos por ganchos, su córnea sufrió una lesión y perdió la visión durante algún tiempo. De hecho, el médico que aparece en la película aplicándole gotas era un profesional que prevenía la sequedad de los ojos del actor.












Kubrick incorporó una serpiente al saber que Malcom McDowell le tenía fobia a los reptiles



Kubrick se caracterizó por ser un perfeccionista, un ejemplo es la escena final de La Naranja Mecánica en la que los periodistas visitan a Alex en el hospital, fue grabada 74 veces. Kubrick dijo en una ocasión: “Planeo las escena todas las veces posibles, todas las horas del día, todos los días de la semana y hago tantas tomas como sean necesarias”.



Sin duda La Naranja Mecánica es una de las películas mas famosas de Kubrick, un director  apasionado y minucioso, del cual cada película nos deja reflexionando.



Fuentes:
http://culturacolectiva.com
http://www.imdb.com/





BARAKA, un film documental por Ron Fricke.


BARAKA

Baraka es un film documental sin narrativa (no hablado) filmado y dirigido por el cinematógrafo y director Ron Fricke durante el año 1992, producido por Mark Magidson.
Baraka fue el primer film -en a lo menos 20 años- fotografiado en 70 mm. con el fomato Todd-AO. Además de haber sido el primer film restaurado y escaneado en la resolución de 8K resolution.

Baraka, el término Sufí de "Bendición", es un documental sin narrativa, sujeto a un concepto empleado por Godfrey Reggio (director de Koyaanisqatsi, filmada por Ron Fricke) llamado Poesía-Visual. Adherido a imágenes dramáticas de naturaleza, religión, rituales indígenas, opresiva vida de ciudad, ilustrativas actividades humanas en diversas culturas, continentes y alrededor de todo el mundo. El film, en palabras de su director, "es un viaje de re-descubrirse y re-conectarse."

El mensaje dominante y de mayor trascendencia tiene un valor en tanto místico como espiritual, vislumbrando las creencias como método de vida, la naturaleza como la única, primera y última creación y destrucción de las especies, y las ciudades como opresoras e infestadas por una conducta ajena y enajenada a lo natural.

Ron Fricke (1992)
Baraka fue rodada en un periodo de 13 meses, alrededor de 24 países, con más de 150 locaciones. El estilo de cámara incluye los movimientos de Time-lapse y slow-motion. Para la ejecución y la realización de estos efectos cinematográficos, Ron junto a la producción fabricaron una cámara especial que combinara el efecto de fotografía Time-lapse con movimientos perfectamente controlados de cámara.
La banda sonora fue compuesta por el compositor de películas Michael Stearns.



Haleakala Nat. Park, Maui, Hawaii
Japan, Kyoto. Monastery.
RESEÑA

El film documental, expone de forma explícita la rivalidad de la invención humana como tecnología contra el contraste de la naturaleza sublime, pura y armoniosa. Al no poseer diálogos, la imagen se vuelve y se torna en el espejo de sensaciones que recibe el espectador, con impactantes realidades fortificando un juicio de valor óptimo al desarrollo del documental y, evidentemente, debido a lo expuesto. La veracidad y nitidez de las imágenes revelan tanto información oculta de la mecanización de la sociedad moderna y resquebrajada bajo un orden que empareja y divide las tareas obligatorias, como del sacrificio humano por las hegemónicas y bien sujetas creencias religiosas reguladoras y corregidoras de la vida en común.
En tanto el concepto de percibir la conducta humana en la mayor objetividad posible, recorriendo culturas y sociedades, permite hacer una comparación lúcida del contraste en cada conducta humana como el mecanismo de vida, por así decirlo, un mecanismo natural que obedece a patrones estructurados de convivencia y métodos de organización a escala macro. Como la analogía de la colonia de hormigas igualada a los habitantes de una ciudad en el movimiento constante y con extensión desconocida.
La variedad exótica y de un conocimiento en su mayor parte críptico de las imágenes, envuelve al espectador en una experiencia cinematográfica sensitiva que lleva a una revelación de lo nunca antes visto, que irónicamente es lo real. Además del mensaje conceptual, en tanto filosófico como espiritual. La idea central del film, se resume en el poder de revelación de las imágenes, junto al ensamblaje del montaje con una banda sonora envolvente. Captando a su vez, cada sentido oculto en la percepción emocional llevando al espectador a un entendimiento universal mediante un lenguaje muy bien trabajado, un lenguaje puramente cinematográfico.
                                                                                                                                      Benjamín Kokaly

Esta es la primera secuencia de escenas de la película:


Bibliografía y páginas informativas:


Making of "Antichrist"

Sin duda alguna, y para quiénes no conocen ni caen ante el nombre de “Lars Von Trier”, les daré una breve reseña; Director y guionista Danés, 59 años, uno de los creadores del movimiento “Dogma 95”(movimiento fílmico vanguardista), y destacado por crear obras sumamente controversiales por sus distintas puestas en escenas.
La primera vez que vi el trabajo de Von Trier, fue con “Dancer in the dark” donde una joven Björk interpreta el rol principal, quien además y no para nuestra sorpresa, contribuye en todo el soundrack de la película, con quien si no otro que, Thom Yorke (Radiohead), desde la primera escena y los primeros diálogos podemos dar cuenta que la mirada de éste director tiene un trasfondo, mucho más allá de lo que deja ver en los primeros 45 minutos de película, pero no es hasta el final de ésta donde nos muestra que su trabajo, conlleva dolor, crudeza, ironía y realidad, tal como lo reflejó en obras como:  “The idiots” y “Breaking the waves”.
Ha medida que me iba centrando más en su trabajo y leyendo entrevistas, podemos dar cuenta que el trabajo de Von Trier, se centra en base a su vida y experiencias, es por eso que su cine puede considerarse “crudo” ante los ojos del espectador, pues su vida ha sido así, con un pasado en las drogas, el alcoholismo y un claro conflicto con su madre. En la última trilogía (Depresión) que trabajó y que quizás, lo hizo ser un director prometedor en cuanto a la industria,es debido a que en cada una de las partes, muestra las vivencias de una mujer con claros traumas, episodios caóticos, conflictos internos y sexuales, es por eso, que quiero centrarme en la primera de ésta trilogía: “Antichrist.”
“Antichrist” da cuenta como un matrimonio se destruye al momento de perder a su hijo; Los primeros minutos son sumamente fuertes visualmente, el niño escapando de su cuna y cayendo lentamente hacia su muerte, mientras tanto el enfoque va dirigido hacia el orgasmo de la protagonista. Pese a que la película tuvo muchas críticas, muchas de ellas, negativas, por su alto contenido de violencia, pero lo que es común en éste director, mostrando escenas de mutilamiento en las parte intimas, penetraciones en primeros planos y sin duda, el incomparable talento de una gran actriz, como Charlotte Gainsbourg, pero como ya todos sabemos, el cine es una mentira muy bien contada, pues todo lo que se pone en escena, no es más que la visión del director y la ficción, el manejo de cámaras en sus distintos planos, trabajo con actores de la industria porno para el recorte de escenas sexuales y el montaje de los protagonistas, sets muy bien articulados, trabajo en locaciones, y por supuesto, la gran conducción que conlleva la edición, un trabajo sumamente arduo, no tan solo para nuestros protagonistas, sino que para todo un equipo que hizo esto posible, pues el trabajo de luz es sumamente impecable, así como también las puestas en escenas, el trabajo de fotografía y los encargados de sonido, son sumamente, bellos. La historia, desde inicio a fin nos mantiene a filo, desconcertándonos, haciéndonos dudar y sobrepasando todos los límites establecidos de lo que consideramos normal o bien, moral, sin duda el ojo del director se ve reflejado en cada división de los capítulos en que está contada esta historia, haciéndonos dar cuenta, que nuestra mente y conciencia es una y quizás, nuestra peor enemiga, al punto de hacernos perder nuestra cordura.


No puedo decir más, que es una obra, bajo mi punto de vista, maestra, la música de Handel, acompaña muy bien ésta historia dramática, violenta y psicológica, una película que debería ser vista con la mente abierta y sin prejuicios anteriores, pues sin duda, no es fácil de procesar, pero una vez vista, te darás cuenta, que no volverás a ver las cosas de la misma forma en que diste inicio a la película, porque los esquemas sociales, no son más que una banalidad del hombre establecido dentro y por un sistema
.


METROPOLIS

METROPOLIS

(Making Of)



METROPOLIS es un filme alemán de 1927. De ciencia ficción, la trama distópica urbana futurista filmada por Fritz Lang, es considerada una de las grandes películas del cine expresionista alemán y de la historia del cine mundial. Fue el primer filme considerado Memoria del Mundo por la Unesco.



«Mediador entre el cerebro y la mano ha de ser el corazón…»

La historia si bien podría considerarse un tema sobrexplotado al tratarse –almeno a primera vista.- de enamorados separados por una causa superficial, pero el verdadero trasfondo de la película es mucho más complejo, siendo hasta hoy en día un fiel reflejo de la organización social que tenemos y de la complejidad psicológica de los individuos.
Optimista pero realista, en su momento fue una verdadera invitación a tomar conciencia del mundo. Y aunque hoy en día existan obras mucho más crudas y duras para abarcar este tema, no se debe olvidar que esta fue de las primeras y que al mismo tiempo conto con todos los elementos para ser éxito de taquilla (algo parecido a “Los Juegos del Hambre” si me lo preguntan) aunque su recepción no lo valide tanto.
Por último las infraestructuras, escenarios y el mundo en general donde trascurre esta historia seria en sueño de cualquier arquitecto, y su fotografía y arte no se queda atrás.







El rodaje duro más de dos años y costo cuatro veces más de lo presupuestado.
Realizado por la productora UFA.
El guion fue escrito por Fritz Lang y su esposa Thea von Harbou, inspirándose en una novela de 1926 de la misma Von Harbou.
Mediante animación, stop motion, efectos especiales y juegos visuales, junto con movimientos de cámara osados, METOPOLIS logra captar la atención en cada escena, haciendo que el espectador se pregunte frecuentemente la forma en la que fue hecha.




Within a minute: The making of episode III

Within a minute: The making of episode III





Año: 2005

Género: Ciencia ficción

Duración: 139 min

País: Estados Unidos

Clasificación: PG-13.

Director: George Lucas

Producción: Rick McCallumGuion: George Lucas

Elenco: Ewan Mcgregor, Hayden Christensen, Natalie Portman, Ian McDiarmid

Productora: Lucasfilm

Música: John Williams


Star Wars episodio III: la venganza de lo Sith, es la sexta entrega de una saga de 6 películas escritas por George Lucas. A pesar de ser la sexta película en filmarse, es la tercera en orden cronológico de la historia, y es la película que logra hacer el link con la primera trilogía filmada en los años 77 al 83.

La entrega se centra en la transformación que el joven Anakin Skywalker experimenta a lo largo del film, cómo su odio e ira acumulado por años va apoderándose de sus pensamientos y acciones, más su temor e intranquilidad por no estar logrando su meta de convertirse en maestro Jedi.

El making of de la película se titula Star Wars Within A Minute: The Making Of Episode III. Se distingue de otros detrás de escena debido a su peculiar enfoque, todo el making of está orientado a una sola escena de la película, la escena 158: pelea de sable entre Obi Wan y Anakin, el maestro y su aprendiz, en el planeta Mustafar, siendo la más importante tanto por el desenlace que conlleva como la dificultad en la realización técnica de esta.

Comienza el documental haciendo el ejercicio de ver esta escena, la cual dura 49 segundos exactamente, y luego constata que para haber logrado lo que se vio, hubo todo un trabajo por detrás de varios departamentos y miles de personas involucradas. Es ahí donde se comienza a narrar el trabajo hecho durante la películas por el productor Rick McCallum, siendo el guía de esta travesía.



En el inicio se muestra varios mapas conceptuales que forman una especia de nube,  este es el punto de partida, en dónde comienzan a desglosar el trabajo dedicado a la escena de Mustafar.


Cabe rescatar que esta escena fue realmente compleja, ya que la batalla se realizaba en un planeta lleno de lava, lo cual en la vida real no existe, por lo que se tuvo que construir a base de nada. Es ahí donde entra el departamento de arte, los cuales se dedicaron a hacer bocetos en 2D, para lograr llegar a lo que fuera que G. Lucas se imaginaba.


                                                                                             

Otro punto a destacar es el meticuloso trabajo realizado por todos los departamentos, en especial de vestuario y maquillaje, que a pesar de que no siempre se noten a simple vista los pequeños detalles, no dejaron escapar ningún tipo de error o casualidad en vestimenta o maquillaje, como el deterioro de la ropa dentro de esta batalla debido a la lava que saltaba, para así ayudar a la verosimilitud de tal compleja secuencia.




El tiempo dispuesto para cada trabajo no era menor a unas dos semanas, hasta tomaron meses para realizar distintas tareas que requería la secuencia. Tanto la recreación del mundo a escala, el cual construyeron desde cero, como la creación de una nueva banda sonora únicamente para la batalla, que traía consigo mucha emoción y significado tras ella, debido a que eran dos amigos enfrentándose. Para esto contrataron a una sinfonía, la Orquesta Sinfónica de Londres.




Durante todo el documental se puede apreciar la importancia, lo demandante y arduo trabajo de cada departamento, además de lo comprometido que estaban con el proyecto. Queda claro que la toma de decisiones no es de solo unos, sino que de un gran equipo de trabajo LIDERADO por el director, siendo en este cado el líder un guía y no un ente absoluto, para ayudar a la unión del proyecto y lograr que sea lo más verosímil.

Finalmente en tono de reflexión se deja abierta la pregunta de que si un minuto de película tomo una gran cantidad de tiempo y personas, cuanto más será realizar el resto de la película, lo cual es una gran forma de prestar realmente atención y reparar en todo el trabajo realizado por un gran grupo.



Se puede encontrar el documental en youtube pinchando aquí (sin subtítulos)




miércoles, 23 de marzo de 2016

Making of Sense8




Sense8 es una serie exclusiva de Netflix escrita por Lana Wachowski, Andy Wachowski y Joseph Michael Straczynski; asimismo los hermanos Wachowski son quienes dirigen la serie de ciencia ficcón.

La primera serie de los hermanos Wachowski, directores y guionistas de la Trilogía Matrix, a grandes rasgos trata de la vida de ocho desconocidos que se encuentran en diferentes partes del mundo, cada uno con su realidad y lucha contra las presiones de de sus culturas. Estos ocho personajes se encuentran conectados de forma telepática, sintiendo y viendo lo que los demás Sensates viven; esta conexión les resulta muy útil durante el transcurso de la historia.



La serie se filma en locaciones reales. Se filmó en seis diferentes continentes, nueve ciudades (San Francisco, Chicago, Londres, Islandia, Nairobi, Seúl, Corea del sur, Ciudad de México, Berlín y Mumbai); en cada ciudad el equipo cambiaba con trabajadores de la zona, hasta actores locales contrataron, el elenco secundario fue amplio, había mas de 180 personajes con parlamento. Nunca estuvieron en una ciudad fingiendo estar en otra. Así evitando el uso del chroma.

Pasó que en San Francisco filmaron realmente en la marcha del orgullo gay, sin tener que ellos crear una marcha aparte, y el resultado quedó muy bueno, le dio sensación de realidad.


También lograron unir la sensación de viaje, la visita a la conciencia y cmabios repentinos de personaje sin recurrir a muchos trucos ni escenas de riesgo, sino a usos ingeniosos de la cámara. Cuando los personajes se entrelazaban, esa conexión no la hacían en postprodución, se hacía en el momento, era una coreografía, se sube o baja una toma, o apuntan una pared o una sombra, para dar tiempo para que el actor que había en la toma salga y entre el otro. 


Los editores agradecieron las actuaciones, ya que hacían el montaje más facil porque se podían concentrar en la narración, en el estilo de edición y no de preocuparse de retocar las actuaciones.





Netflix en su canal de youtube subió una parte del making of el cual puedes visitar aquí. Mientras que en la página oficial de Netflix se puede encontrar la versión completa.

Gerardo Abarzúa
  

Lucid Dreams: The Making of Enemy



"Enemy" es un thriller psicológico dirigido por Denis Villeneuve, basado en la compleja novela del escritor portugués José Saramago, "El hombre duplicado".




La película nos presenta a Adam, un profesor de historia que lleva una vida normal y a veces bastante monótona. Un día, viendo una película, descubre a un actor que es idéntico a él. La búsqueda de este personaje le traerá consecuencias inesperadas que le llevarán a obsesionarse con su propia existencia y a entender por qué su vida es como es y qué lo ha llevado a estar donde está.






La película está diseñada para ser vista de diferentes maneras y se presta para diferentes interpretaciones: puede tratarse de un caso de esquizofrenia del protagonista, de una crisis de identidad o de algo que está sucediendo en la realidad. 
A partir de esta película han nacido varias teorías, siendo una de las mas famosas la que dice que el largometraje es una representación de la lucha interna que tienen todas las personas: Una lucha entre quienes han llegado a ser y quienes han soñado ser durante toda su vida. Una lucha entre las metas y los sueños versus cómo y donde te posiciona la vida.




"Enemy" sin dudas es una película muy filosófica y que deja pensando a cualquiera. Es por esto que dentro de la producción hubieron muchos retos para poder llevar a cabo este proyecto. 
El hecho de que un mismo actor deba interpretar a dos personajes es, desde un principio, todo un desafío. Es por esto que no debemos dejar de mencionar la increíble actuación de Jake Gyllenhaal en uno de los papeles que, a mi juicio, es uno de los más difíciles de encarnar. 




Otro gran desafío para la producción fue hacer notar las diferencias entre los dos personajes, ya que ambos son iguales físicamente pero sumamente distintos mentalmente; por lo tanto, el complejo guión (escrito por Javier Gullón) llevó meses y meses de arduo trabajo para crear este "laberinto mental" al que la película nos somete. 




Otro punto a destacar es la fotografía de la película (por Nicolas Bolduc), ya que durante toda la película podemos notar una atmósfera inquietante y un tanto amarga, que solo una gran mente podría crear. 








En mi opinión, creo que Enemy es una producción admirable, ya que al verla nos transporta inmediatamente a otro mundo, a un mundo mucho más comlplejo donde todo es posible, y nos lleva a hacernos infinitas preguntas y a cuestionarnos la realidad en la que vivimos y hasta qué punto estamos en control de ella.  




Fuentes: Lucid Dreams: The Making of Enemy (2014)