La película
narra la historia de Marie Antoinette (Dunst) duquesa austriaca de 14 años es
desposada con el heredero al trono de Francia, Luis XVI (Schwartzman), para así
afianzar relaciones entre los dos países.
Durante la
película vemos cómo se desarrolla el carácter inmaduro de Maria Antonieta
debido a su edad y sus excentricidades dentro de Versalles. Uno de los temas que
resalta son sus problemas para consumar su matrimonio con el Delfín Luis XVI,
lo que se transforma en una presión debido a que tiene que haber un heredero al
trono en Francia.
Luego de la
muerte del rey Luis XV por viruela, Maria Antonieta y su esposo deben asumir el
reinado de Francia siendo muy jóvenes. La reina apoya a su esposo durante su
mandato y luego de siete años de matrimonio logran consumar su matrimonio ante
la mirada expectante de Francia, dando como resultado la primera hija del
matrimonio.
En esta
cinta vemos el contexto histórico de la revolución francesa la cual nos muestra
un contraste cuando estalla la revolución, Francia odia a la protagonista.
A pesar de
contener período histórico, lo que resalta en la película es la adolescencia y
emociones de la protagonista llevándola a una época más actual a través de la
imagen de Versalles acompañada de una banda sonora actual que podría no ser la
adecuada para la época que muestra el film, pero aun así tiene un buen desarrollo.
La película
fue ganadora del premioÓscar
al mejor diseño de vestuario, premio de
cineSystème
éducatif français delFestival
Internacional de Cine de Cannes2006 para
Sofia Coppola, además ganadora de 6 premios y candidata a 9 premios más.
La cinta es
un reflejo de las películas de Sofia Coppola, las cuales siempre destacan por
sus protagonistas femeninas y a la vez empoderadas.
Sofia
Coppola es hija de Francis Ford Coppola. Cuenta con una variada filmografía que
va desde publicidad, actuación y dirección de cinco cintas, una de ellas la
reseñada.
La mayoría de las películas de horror están contadas desde
un punto de vista masculino, a pesar de que estudios muestran que más del 50%
de la audiencia para el género del horror es femenino.
Pero hay cientos de películas, sobretodo en este género,
que poseen una fuerte visión del mundo femenino que no necesariamente equivalen
a la femineidad. En esta ficha quiero resaltar una de mis películas favoritas y
sobretodo sobrepasar el típico rol de damisela en peligro. Si los únicos nombres
cuando piensan en el horror que les vienen a la cabeza son Hitchcock y Romero,
pues bien, espero que esta lista los introduzca a realizadoras de películas de
horror que solo quieren que saltes de tu asiento en pavor.
Cuando la hambre es una maldición.
Ficha técnica.
Título: Ravenous
Año: 1999
Director: Antonia Bird
Guion: Ted Griffin
Producción: Adam Fields, David Heyman, Tim Van Relim,
Música: Michael Neyman,
Damon Alman, Stephen Foster, Philip Phile
Reparto: Guy Pearce,
Sheila Tousey, Robert Carlyle, David Arquette,
Jeremy Davies, Jeffrey
Duncan Jones, Stephen Spinella, Neal McDonough
La película de Antonia Bird Ravenous (Voraz como es conocida
en Latino américa y España) está ambientada en un remoto puesto militar de
avanzada en las montañas de Sierra Nevada en 1847 cuando el capitán John Boyd (Guy
Pearce) es enviado a esta zona debido a un error cometido durante la guerra
entre Estados Unidos y México. Un día un extraño llamado Colqhoun aparece y asegura
que él y otros colonos fueron sorprendidos por una avalancha que los dejo
encerrados en una cueva por un largo tiempo y que algunos lograron sobrevivir
practicando el canibalismo.
Capitan John Boyd
El rodaje se hizo en las montañas de Tatra, Eslovaquia y Durango,
México. El director original quien era Milcho Manchevski (Before the rain,
Dust) durante las 3 primeras semanas del rodaje decidió retirarse debido a
reiteradas discusiones con la productora, 20th Century Fox, ante el problema de
no tener un director el actor Robert Carlyle recomendó a Antonia Bird (Priest,
Mad love) su frecuente colaboradora y compañera de negocios quien se hiciera
cargo de la dirección.
Antonia Bird
La directora en el set de Ravenous
Escrita por Ted Griffin (Ocean´s Eleven, Matchstick men) y
bajo la dirección de Bird la película es elocuentemente acoplada, la historia
se mueve de un punto a otro con soltura y comodidad, y cada escena está pensada
claramente para el respire del espectador esto permite dar tiempo para que los
personajes tengan un desarrollo personal que va más allá de la primera capa de
personalidad que es encontrada en la mayoría de las películas de horror.
Cuando estos hombres mueren, y si, hay ciertamente muchas
escenas de muerte explicita y violentas para los personajes involucrados, está
llena de suficiente peso como para que el público le importe el tema y lo
sucedido.
La comedia del filme, por cierto, no está directamente
puesto para que sea lo primero que se note del mismo o esperando a ser
apreciado, solo fluye a través de las escenas; si lo necesita Ravenous puede
bien ser tomada directamente como solo una película de horror sin ningún elemento
de comedia negra. Estos momentos están ciertamente ahí pero solo si sientes que
es necesario. Cuando las escenas de canibalismo empiezan, Bird no teme a
mostrar todo lo que ocurre sin ningún tipo de censura.
Ives-Robert Carlyle disfrutando de su ´´cena´´
La comedia del filme, por cierto, no está directamente
puesto para que sea lo primero que se note del mismo o esperando a ser
apreciado, solo fluye a través de las escenas; si lo necesita Ravenous puede
bien ser tomada directamente como solo una película de horror sin ningún elemento
de comedia negra. Estos momentos están ciertamente ahí pero solo si sientes que
es necesario. Cuando las escenas de canibalismo empiezan, Bird no teme a
mostrar todo lo que ocurre sin ningún tipo de censura. De hecho, esta película
puede ser resumida fácilmente en una gran comida dramática preparada con horror
y salteada con algo de comedia, pero jamás llegando a ninguno de los dos géneros
o permitiéndose ser definida por alguno, esto permite crear una tensión nerviosa
que se desarrolla con naturalidad mientras la película se construye a su propio
ritmo.
Coronel Hart-Jeffrey Jones preparando el almuerzo
También es una película de insolación, cosa que la
directora captura perfectamente, en un punto un personaje incluso dice ¨ es solitario ser un caníbal´´ la ironía
de la frase es suficiente para ver la desesperación de los personajes y el plot
de la película.
Ives y Boyd dando prospecto a su soledad
Ravenous es una película que fue rechazada cuando se estrenó
en cines el 19 de marzo de 1999 en los Estados Unidos. Mucho tuvo que ver con
cual difícil la película fue lanzada al mercado y como mal fue promocionada por
la misma productora. A pesar de eso, con el tiempo, la cinta se convirtió en un
filme de culto que es ciertamente intensa y a veces cómica que desarrolla y
explota una historia genuinamente horrible.
Es una película que cualquier fan del horror debe ver, no
solo porque posee grandes elementos del terror, pero también la variedad y
cambios en los personajes y las decisiones que se ven obligados a tomar ante la
cara de su propia caída hacen del filme una exquisitez en la pantalla que fácilmente
puede ser disfrutada con alguna pieza de carne y un algo de líquido rojo
acompañado de los gritos desafortunados de nuestros héroes.
Año
1851. Ada, que es muda desde niña, acaba de enviudar. Un matrimonio concertado
la obliga a dejar su Escocia natal y viajar a Nueva Zelanda, acompañada de su
hija y de su piano. Allí conoce a su futuro marido, un próspero granjero que se
niega a llevar a casa el piano. Abandonado en la playa, el instrumento será
rescatado por un vecino que establece un extraño pacto con Ada: él la dejará
usar su piano a cambio de que ella se deje tocar
The Piano es una de las películas más ambiciosas de la década
del 90, pero ¿qué la hace serlo? Todo comienza de una forma bastante rápida, se
da a entender en menos de veinte minutos de que va la cinta. Debido a esto se
puede pensar que es una película predecible, pero todo lo contrario, el que
sepamos tanto en tan poco tiempo le da una infinidad de opciones al director
para sorprender a los espectadores.
Se muestra la personalidad de cada personaje y cuál será su
rol durante todo el film. A pesar de esto, el desarrollo de estos es
maravilloso, las actuaciones de Holly Hunter y Anna Paquin son realmente dignas
de admirar. Se ve como Ada puede llegar a ser una terrible madre, mientras que
su hija, debido al rencor y, de cierta forma, a tener más moralidad que su
progenitora, empieza a ser una de las antagonistas principales en la historia.
Al principio no sé entienden las intenciones de la directora
(y a la vez guionista) de crear un triángulo amoroso de este tipo: Ada, una
mujer completamente fría pero a la vez frágil, ofrece su cuerpo a uno de los
vecinos y amigo de su marido cambio de que le sea devuelto su piano, el cual es
cambiado por tierras. En los comienzos de la relación, se hace creer que ella
sólo busca recuperar su preciado instrumento, pero al cabo de un tiempo empieza
sentir afecto por el hombre que la desea desde el primer momento que la ve
tocar, llegando incluso a enamorarse de él. ¿A qué nos lleva esto? A
adentrarnos en la piel de esta joven
mujer, viendo como la lujuria y la pasión por ser escuchada puede llegar a
enceguecer sus pensamientos, llevándola a ser y hacer muchas cosas, hasta una
madre despreciable.
Los últimos cuarenta minutos están llenos de suspense y
escenas totalmente desgarradoras, pero tan hermosas como todo el resto de la
película, que resalta tonos fríos, con una fotografía maravillosa hecha por
Stuart Dryburgh, en la que escenas como las del piano en el mar muestran un
grado de nostalgia y soledad gigantescos. El piano se empieza a convertir
lentamente en un ataúd. Esto, acompañado por la maravillosa y genuina música de
Michael Nyman, llena de angustia, nos entrega un ambiente totalmente sombrío de
una Nueva Zelanda en pleno siglo XVII.
El desenlace es algo “magistral”, lleno de ambigüedades y
metáforas, de sentimientos tan puros como la comprensión y los deseos de vivir,
con una de las escenas más hermosas de todo el cine, el hundimiento por el
océano de la protagonista junto a su piano, quien decide escaparse la muerte en
las profundidades del mar para volver a nacer, ser una persona nueva, el piano
ya no es un ataúd para ella, aunque a veces piense en él y como hubiera sido
quedarse en el abismo.
The Piano es una película magnifica por donde se le vea.
Entrega un sinfín de emociones, de recuerdos y de apreciación por la belleza.
No es una película ambiciosa por sus escenas explícitas, o por tener una
protagonista “muda”, sino por presentar al humano en su naturaleza pura,
dejando de lado lo moral por el placer o el amor y mostrando como se puede jugar
con la magia de la música y un objeto, que pasa de ser una tumba a un símbolo
de nirvana y resurrección.
Filmografia Director :
2009 Bright Star
2008 Cinema16: World Short Films (vídeo corto)
2008 8 (segment "The Water Diary")
2007 Chacun son cinéma ou Ce petit coup au coeur quand la lumière s'éteint et que le film commence (segmento "The Lady Bug")
En un mundo
cinematográfico repleto de rostros masculinos nos puede suceder dos cosas
curiosas: o pasamos inadvertidos el nombre de los creadores o nos llama la
atención cuando se nos presenta a una mujer como directora y desarrolladora de
un proyectoaudiovisual. Pues no
es algo común -y que pena que así sea- encontrarse con personajes femeninos en
este contexto. ¿Cuántas películas las han dirigido hombres en comparación con
las mujeres? La diferencia es abismal, pero deja de ser desmotivante, ya que, saber
queAlice Guy,
quien fue la primera en crear su película dio el pie para que muchas otras
mujeres hicieran lo mismo es poderoso. Podría decirse que fue un eslogan de
"¡Nosotras también podemos entregar un mensaje!".
Con
esto, os quiero presentar"El
bosque del luto"(殯の森), una película dirigida porNaomi Kawase(河瀨直美) y que fue
estrenada el 2007. Participó en el festival de Cannes siendo nominada a las
categorías de Palma de Oro y el Gran Premio del Jurado, ganando este último. A
su vez concursó en el Mainichi Film Concours ganando como mejor
fotografía.
El Bosque
del Luto nos presenta una historia sensible y minimalista sobre una cuidadora
principiante en un asilo de ancianos (Machiko) que comienza a tener una amistad
especial con uno de los residentes (Shigeki). Ambos tambaleando en una tristeza
sobrecogedora por la muerte de uno de sus seres queridos. Machiko por su hijo y
Shigeki por su esposa. Para el día del cumpleaños del anciano, Machiko en
dádiva de amistad decide llevárselo de paseo en las afueras del asilo. Mas un
inconveniente hace que terminen aparentemente perdidos en un bosque.
Muy pocos diálogos, escenas más contemplativas, juegos visuales, tonalidades balsámicas verdes, voces cercanas y empáticas, reflexión catártica e interesantes encuadres son lo que hacen de esta película un intenso mensaje sobre la amistad atemporal y la superación del luto. Se nos hace emotivo ver que las relaciones trascienden edades y significados comunicativos. Sería absurdo pensar que Machiko está enamorada de Shigeki con tal de ceder su intimidad para proteger a un anciano difícil de tratar. Es más bien un cariño incondicional y potente que pretende florecer ahí, ya que ambos comparten un dolor, un luto con el que aun no los deja vivir tranquilos.
"-¿Estoy vivo?
-""Estar vivo" tiene dos significados diferentes. El primero: Comer, arroz o sus condimentos, así que, dígame ¿Come usted arroz? Sí, come arroz (...) Hay otro significado: Tener la sensación de estad viviendo. Sentirse vivo (...) Sientes la sensación de vivir. Vivir es, por lo tanto, sentir."
Guion: Gurinder Chadha Guljit Bindra Paul Mayeda Berges Música: Craig Pruess Fotografía: Jong Lin Montaje: Justin Krish Vestuario: Ralph Holes Protagonisas: Parminder Negra Keira Knightley Sinopsis: Jess (Parminder Nagra) tiene dieciocho años y sus padres quieren que sea una encantadora y convencional chica india. Pero ella solamente quiere jugar al fútbol como su héroe, David Beckham, la estrella del Manchester United. Para Jess, eso significa darle patadas a un balón en el parque con sus amigos, hasta que la descubre Jules (Keira Knightley), una joven que la invita a unirse al equipo de fútbol femenino local. Las chicas tienen la misma edad y comparten los mismos sueños. Al tiempo que se va consolidando su amistad, el equipo empieza a viajar para jugar en otras ciudades.
La película Bend it like Bechkam tiene una visión femenina y se hace notar gracias a la directora, ya que aborda el tema de una mujer de origen indio que quiere cumplir su sueño de jugar fútbol. La directora oriunda de Kenia en el film hace notar la problemática de la familia de Jess, de origen indio, que le prohíbe jugar fútbol.
A lo largo del film, Jess logra ingresar gracias a Jules a un equipo, donde destaca por sus increíbles habilidades con el balón. Pero para Jess no fue fácil, porque su familia no aprobaba que ella jugara fútbol. Durante la película ella tuvo que mentir para poder ir a entrenar, sólo por la pasión que ella le tenía a este deporta, cosa que me gustó mucho ver, ya que yo también pasé por algo similar, Jess logró revivir mis sentimientos por el fútbol.
También es muy interesante como se contrastan las formas de ver la vida que tiene Jess contra la de su familia. Lo curioso está en que tenían visiones muy opuestas debido a lo que era practicar fúbol, pero me gustó lo que hizo la directora, porque Jess le confiesa sus sueños a un póster de Beckham que tiene en su habitación. Esas "conversaciones" contrastan" con la veneración que sus padres muestran a un póster del santo Sikh(babaji) Gurú Nanak.
Dirigida por Penny Marshall y esteralizada por Tom Hanks,
Big es una película estrenada el 3 de julio de 1988. Ese mismo año fue nomidada
a los Óscar, tanto por mejor actor como por mejor guion original. Al año siguiente
fue nominada a los Globos de Oro por mejor actor en comedio o musical, ganado
este último. Actualmente es parte del AFI’s 10 Top 10 en la categoría de Cine
fantástico.
En esta película se nos narra la historia de Josh Baskin, un
niño de 13 años con una vida normal, pero que en el fondo guarda el deseo de
ser mayor. Un día en un parque de diversiones encuentra una vieja maquina para
pedir deseos, llamada “Zoltar”, él pide el suyo y al día siguiente despierta
siendo un adulto.
Una de las características más notables de la película es el
hecho de que se sienta nostálgica ¿Por qué? Esto se deba a la inocencia en su
historia y el mensaje que nos quiere transmitir.
La historia la podemos interpretar como un recuerdo de la
infancia, de esa época en la que lo único que importaba era divertirse, y
algunos recién empezaban a experimentar lo que es el amor. Esto lo vemos, tanto
en la actución de Tom Hanks, como en la pequeña cantidad de chistes con doble
sentido que pusieron, pero lo principal es el guion, que se centró en mostrar
los valores que perdemos al crecer y no simplemente en el humor.
La película nos habla de vivir la adultez como niños, de
dejar a un lado la competencia que tanto caracteriza a los mayores, de la
importancia de la imaginación, que muchos adultos pierden al ir creciendo, de
valorar a una persona por lo que es y no lo que ves. Pero también nos habla de
las responsabilidades, de lo que en realidad es la madurez y del respeto a la
pareja.
Las actuaciones tanto de Hanks como de Elizabeth Perkins son
excelentes; el primero manteniendo el nivel que luego le veríamos en sus
siguientes películas, mostrándonos a un personaje inocente, algo infantil a
ratos, que no entiende este nuevo mundo en el que se ve envuelto, y que tiene
una evolución que se siente natural durante la película.
Perkins, por su parte, está en uno de sus mejores papeles,
logrando convencer fácilmente con su actuación. Ella es una compañera de
trabajo que inicialmente intenta tener una aventura de solo una noche con Josh,
pero que luego de quedar desconcertada con su forma de actuar infantil, logra
ver en él a un hombre maduro del cual se enamora.
Big es un filme con una vibra nostálgica, que nos hace
preguntar, ahora que la inocencia de la infancia se fue,¿cómo llegamos a esto?,
pero también nos llama a vivir el momento y disfrutar de la vida.
Penny Marshall es una directora bastante versátil trabajando
con diversos géneros (romance, thriller, drama), pero siempre mezclándolo con
la comedia.
