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miércoles, 18 de mayo de 2016

Cine Latinoamericano: 'El lado oscuro del corazón'


"-Me importa un pito que las mujeres tengan los senos como magnolias o como pasas de higo; un cutis de durazno o de papel de lija. Le doy una importancia igual a cero, al hecho de que amanezcan con un aliento afrodisíaco o con un aliento insecticida. Soy perfectamente capaz de soportarles una nariz que sacaría el primer premio en una exposición de zanahorias; ¡pero eso sí! —y en esto soy irreductible— no les perdono, bajo ningún pretexto, que no sepan volar. Si no saben volar ¡pierden el tiempo las que pretendan seducirme!"

Poética cinematográfica. Eliseo Subiela, luego de atacarnos con 'Hombre mirando al sudeste', uno de sus primeros filmes dignos de ver, nos entrega esta búsqueda amorosa y bohemia. 'El lado oscuro del corazón' nos relata la historia de Oliverio, un poeta under quien busca a una mujer que sea capaz de "volar". Con desventuras y desánimos cae en un diálogo con la muerte cada vez más profundos. Aquella, con la pretensión de llevárselo lo convence de abandonar su objetivo.


El film es hermoso. Tratando de desviar la atención en que es extenso y algunas acciones parecen ir demasiado lento, el largometraje es una poética de principio a fin, ya que recopila poemas de Oliverio Girondo, Mario Benedetti y Juan Gelman. El ideario amoroso del principal es quejumbroso, detallista y exquisito, personalmente aun no puedo decidir si aquello es algo bueno o malo, pues por una parte confiesa que no le importa el físico de las mujeres (aliento afrodisíaco, narices zanahorias) pero por otra no se conforma con cualquiera porque hay un solo tipo de mujer que él cree es capaz de volar. ¿Volar?


Por otra parte tenemos la decepción de saber que sus libros no se venden, pues, hay que decir la verdad, muy pocos se interesan por la poética, pero resulta llamativo ver que al momento de recitar poemas al sexo opuesto hay una suerte de atracción y sensualidad impregnada en cada frase. Sin embargo resulta gracioso ver que no a todos les funciona, quizás es la edad o la personalidad, pero a Oliverio en primera instancia parece resultarle.
Una de las grandes cosas que me gusta de esta película es el personaje de la muerte. ¡Qué reflexión más interesante! Cada diálogo que tiene con Girondo (quien es por cierto el único con quien mantiene conversación) es una gracia y un deleite al oído.



Ficha Técnica:

Director: Eliseo Subiela

Escritores: Mario Benedetti / Juan Gelman / Oliverio Girondo}
Reparto: Darío Grandinetti / Sandra Ballesteros / Nacha Guevara ...
Producción: Roger Frappier
Música: Osvaldo Montes
Cinematografía: Hugo Colace
Edición: Marcela Sáenz
Dirección de arte: Margarita Jusid


miércoles, 11 de mayo de 2016

Cine chileno: Fiesta Falsa 2013





"Tú me viste primero, pero yo te quise antes."

Nostalgia y melancolía a la vena, cien por ciento real no fake. Una realidad chilena que cuesta admitir o reconocer, o simplemente no sabíamos que estaba ahí presente. Juventud generacional sumergida en pena, angustia. Muchas veces por temas amorosos o sociales. No por nada apareció en las redes sociales la noticia de La paradoja de Chile, indicando que es el país más depresivo de América Latina. Pero no todo es tan malo, Fiesta Falsa nos propone la búsqueda del fin de ese malestar, de la superación energética y del reencuentro de intereses personales.

Álvaro, profesor universitario, quien no logra superar un quiebre amoroso, vive sus días con desgano y apatía, hasta que un día decide ir al doctor. Este le recomienda distraerse de diversas formas y no sobre exigirse mentalmente. De a poco, intentando retomar amistades, crear nuevas también y mejorar su salud, va saliendo de ese agujero falso para volver a lo que él cree es su felicidad.




En lo personal, el largometraje presenta una buena historia en la cual es llamativo el sentirse identificado con más de un personaje, son cercanos y nos genera empatía (Fernando Mena es un amor(?)). Sin embargo, mientras transcurren las escenas es fácil perderse o lanzar uno que otro bostezo. A su vez, el exceso de tristeza resulta tedioso hasta el punto de querer entrar en la película y pegarle unas cuántas cachetadas a Álvaro ("¡Reatziona! ¡Sé feliz! No seas un llorón y un amargado"), cosa que también ocurre en Mejor no fumes (2011), la primera película de Peralta. Mas lo que sí hay que recalcar es el trabajo realizado en fotografía y dirección de arte. La atmósfera y ambientación de las escenas son tan agradables a la vista que dan ganas de comerse un pastel.

Hay que reconocer que Daniel Peralta tiene talento, en su mente se generan buenas historias y quizás muchas de ellas tienen la intención de expiar su pena personal. Bravo por él, pues comunica bastante. Quizás el dilema está en saber llevar eso a la pantalla. Además, un punto que me cuasa curiosidad, y no solo en Fiesta falsa, también en Mejor no fumes, la mayoría de los planos (por no decir todos) son planos fijos, sin movimiento de cámara. La emoción en el cine también se transmite a través del movimiento y resulta un poco inquietante sentir el encuadre quieto gran parte del tiempo, por muy bonito y bien compuesto que sea.






Ficha Técnica:*

Dirección: Daniel Peralta
Guion: Daniel Peralta / René Martín
Elenco: Tomás Verdejo / María José Bello / Fernando Mena / Natalia Reddersen / Cristóbal Valenzuela / Jorge Arecheta.
Casa productora: GRIP Films
Productor Ejecutivo: Tomás Verdejo / Daniel Peralta / Daniel Rebolledo Parra
Producción: Daniel Rebolledo Parra
Productor Asociado: Alberto Fuguet / Silvio Canihuante
Asistente de Dirección: Félix Quiroz
Dirección de fotografía: René Durán
Dirección de arte: Francisco Quiroz
Montaje: Daniel Peralta
Música: Diego Peralta
Sonido: Álvaro del Fierro
Vestuario: Nicolás Palma

*Información dispuesta por cinechile.




miércoles, 4 de mayo de 2016

Corto: Norman McLaren - Neighbours (1952)




Título: Neighbours
Director: Norman McLauren
Año: 1952
Reparto: Grant Munro, Jean Paul Ladouceur
Duración: 8'
Mixer de audio: Mono
País: Canadá


Un trabajo formidable dentro de la década de los cincuenta. Norman McLaren, director de cine y animador británico nacionalizado en Canadá, visionario y poseedor de una imaginación sin precedente, compuso y dio vida a uno de los cortometrajes más polémicos del medio distribuidor. 'Neighbours' es una obra de no más de 9 minutos en la que se nos muestra un conflicto simple entre dos vecinos por la lucha adquisitiva de la única flor que ha decidido germinar en colinde de ambos hogares.


Con un trasfondo político, el corto nos propone demostrar el absurdo de la guerra y del conflicto de intereses. Podemos observar que ambos personajes principales, dueños de una propiedad y de una vida cómoda, se enfrentan entre sí por un elemento que escapa a sus adquisiciones materiales y lo detonante es que es solo uno, en el límite de sus libertades: una flor. Su buen vivir y sus aparentes buenas costumbres, como modales recíprocos del buen vecino y orden personal, desaparecerán gradualmente. Ambos quieren aquella flor, tan hermosa y radiante, llena de vida y que graciosamente pareciera que ella misma se está burlando de sus pretendientes ("Aquí estoy, mírenme, huélanme, contémplenme, pues no seré de ninguno."). La insolencia autoritaria comenzará cuando uno de ellos decide adueñarse de aquella belleza de la naturaleza, limitando el límite de ambos hogares (antes no era necesario tenerlo y se convivía bien), obviamente aquel gesto no le caerá nada de bien a su vecino. En respuesta comienzan a discutir por la flor, que terminará en un caos descomunal. ¿Hasta qué punto se llega con tal de obtener algo exclusivo? ¿En algún momento del cortometraje hubo un intento de dialogo democrático y razonable? Y ahí, aquella flor disfrutando de su estancia en el mundo, tan simple que solo necesita luz y agua para ser hermosa. 


Hay dos puntos que me llamaron la atención en el corto: musicalización y animación. La música, diseñada por el mismo McLaren es esencial, sin ella todo perdería sentido, cada acción es representada por la música, incluso si quitáramos la imagen podríamos imaginarnos de qué va la historia. No se necesitó una gran orquesta o una banda para hacer el film, solo un sintetizador bastó para darle atmósfera. En cuanto a la animación, es común en McLauren usar la técnica de la pixilación que consiste básicamente en grabar personas, animales u objetos fotograma tras fotograma, es una arista del stop motion mas aquí se busca mostrar la sensación de que el objeto o personaje se mueve sin hacerlo. Es sin dudas un trabajo arduo pero que logra despertar sensaciones en el espectador.



"Ama a tu prójimo"

miércoles, 27 de abril de 2016

殯の森 Mogari No Mori. (Mujeres directoras)

   
En un mundo cinematográfico repleto de rostros masculinos nos puede suceder dos cosas curiosas: o pasamos inadvertidos el nombre de los creadores o nos llama la atención cuando se nos presenta a una mujer como directora y desarrolladora de un proyecto audiovisual. Pues no es algo común -y que pena que así sea- encontrarse con personajes femeninos en este contexto. ¿Cuántas películas las han dirigido hombres en comparación con las mujeres? La diferencia es abismal, pero deja de ser desmotivante, ya que, saber que Alice Guy, quien fue la primera en crear su película dio el pie para que muchas otras mujeres hicieran lo mismo es poderoso. Podría decirse que fue un eslogan de "¡Nosotras también podemos entregar un mensaje!".


   Con esto, os quiero presentar "El bosque del luto" (殯の森), una película dirigida por Naomi Kawase (河瀨直美) y que fue estrenada el 2007. Participó en el festival de Cannes siendo nominada a las categorías de Palma de Oro y el Gran Premio del Jurado, ganando este último. A su vez concursó en el Mainichi Film Concours ganando como mejor fotografía.

   El Bosque del Luto nos presenta una historia sensible y minimalista sobre una cuidadora principiante en un asilo de ancianos (Machiko) que comienza a tener una amistad especial con uno de los residentes (Shigeki). Ambos tambaleando en una tristeza sobrecogedora por la muerte de uno de sus seres queridos. Machiko por su hijo y Shigeki por su esposa. Para el día del cumpleaños del anciano, Machiko en dádiva de amistad decide llevárselo de paseo en las afueras del asilo. Mas un inconveniente hace que terminen aparentemente perdidos en un bosque.



 Muy pocos diálogos, escenas más contemplativas, juegos visuales, tonalidades balsámicas verdes, voces cercanas y empáticas, reflexión catártica e interesantes encuadres son lo que hacen de esta película un intenso mensaje sobre la amistad atemporal y la superación del luto. Se nos hace emotivo ver que las relaciones trascienden edades y significados comunicativos. Sería absurdo pensar que Machiko está enamorada de Shigeki con tal de ceder su intimidad para proteger a un anciano difícil de tratar. Es más bien un cariño incondicional y potente que pretende florecer ahí, ya que ambos comparten un dolor, un luto con el que aun no los deja vivir tranquilos.

"-¿Estoy vivo?
-""Estar vivo" tiene dos significados diferentes. El primero: Comer, arroz o sus condimentos, así que, dígame ¿Come usted arroz? Sí, come arroz (...) Hay otro significado: Tener la sensación de estad viviendo. Sentirse vivo (...) Sientes la sensación de vivir. Vivir es, por lo tanto, sentir."


Ficha Técnica:

Director: Naomi Kawase
Escritor: Naomi Kawase
Producción ejecutiva: Hengameh Panahi
Música: Masamichi Shigeno
Cinematografía: Hideyo Nakano
Edición: Tina Baz / Yûji Ohshige
Diseño: Toshihiro Isomi
Arte: Yuka Sumimoto
Sonido: Shigetake Ao
Cámara: Masami Imura

Reparto:

Machiko Ono: Machiko
Shigeki Uda: Shigeki
Makiko Watanabe: Wakako

miércoles, 13 de abril de 2016

Sundance: The Usual Suspects


Título: The Usual Suspects
Año de lanzamiento: 1995
Duración: 105 min.
País: Estados Unidos
Director: Bryan Singer
Guión: Christopher McQuarrie
Fotografía: Newton Thomas Sigel
Producción: Polygram Film Entertainment, Spelling Films International
Género: Thriller
Presupuesto: 6 millones de dólares
Reparto: 




"“I don’t believe in God, but I’m afraid of him.” Well I believe in God, and the only thing that scares me is Keyser Soze."

Los Sospechosos de Siempre es una película estadounidense de suspenso policial, dirigida por Bryan Singer y estrenada en 1995. El argumento gira en torno a un interrogatorio policial el cual intenta vislumbrar a los protagonistas de un tiroteo en un barco en el cual se hacía contrabando de proporciones descomunales. Entre los pocos sobrevivientes del ataque se encuentra un estafador y sospechoso habitual al cual usarán para aclarar toda la neblina existente alrededor del suceso. Verbal Kint, el sospechoso, lisiado e indefenso rearma la historia para los policías desde los inicios, narrando su relación con sus demás colegas, en especial con Dean Keaton, quien es al parecer el motor principal de todos los crímenes que se desarrollan a lo largo del relato.


La película en un principio no recibió tanta atención por parte de los espectadores e incluso fue seleccionada como una de las 40 peores películas por el crítico cinematográfico Gabriel Byrne (¿A quién le importa?) sin embargo, con el correr de los años el largometraje fue ganando adeptos y hoy en día, Usual Suspects es considerado como película de culto. Por otra parte, si bien esta película no fue considerada dentro de la competición oficial del Sundance Festival, fue proyectada de igual manera, mas ha sido tanta la fama creciente del film que no se puede hablar de Sundance si no se habla de Usual Suspects, al igual que no se podría hablar de Reservoir Dogs, Pi, Memento, (500) Days of Summer), entre muchos otros.


Por último y como opinión personal, Los Sospechosos de Siempre es 100% una ruleta rusa, te cambia el paradigma tan descaradamente que aun te quedas pensando en las primeras escenas cuando ya vas por la mitad de la película. De seguro a la primera vista no entenderás nada, ni menos a la segunda (mi caso en específico), pero si te fijas en los detalles, de seguro te reirás al descubrir todas las trampas que existen en el film. Pero en resumidas palabras, la película gira en torno a la siguiente pregunta: ¿Quién es Keyser Soze?



“La mejor treta que pudo idearse el Diablo fue la de hacerle creer al mundo que no existía."

miércoles, 6 de abril de 2016

Cine dentro del cine: Efectos Especiales.




"advertencia"
"esta película se planeó como una sola toma"
"pero por problemas técnicos no resultó"
"el culpable de todo es"
"Bernardo Quesney"
"el peor director de cine chileno"
"y uno de los peores actores de esta generación"
"mi nombre es Efraín Chincilla"
"soy montajista y cobro barato"
"teléfono de contacto 85483461"
"estoy soltero"
"Pamela aún te amo"


Así comienza relatando el largometraje titulado Efectos especiales del director chileno Bernardo Quesney, egresado de la carrera de cine de la Universidad Mayor, de la cual pertenecemos todos los colaboradores de este blog, y que nos presenta una problemática humorística que tiene como base la aparentemente fácil construcción de un proyecto audiovisual. La película, publicada en 2011 ha participado en festivales de cine como el de Cine B, Festival de Talca, Festival de Cine Independiente de Iquique y FIACID, ganando el premio de Mejor Película en este último.

Ficha Técnica*:

DIRECCION BERNARDO QUESNEY
GUIÓN BERNARDO QUESNEY
PRODUCTOR BERNARDO QUESNEY
MONTAJE EFRAÍN CHINCHILLA
CÁMARA NICOLÁS DURÁN
DURACIÓN 76 MINUTOS
PROTAGONISTAS BERNARDO QUESNEY / FERNANDA TOLEDO / NICOLÁS DURÁN / PAOLA LATTUS / PAULO ORREGO
*Información facilitada por cinépata.

Película completa:

La película nos intenta mostrar de mala manera, cosa que es -creo yo- completamente intencional, la forma de hacer una película: mal dirección (inexperto), producción (carente), guion (absurdo), casting (desprolijo), montaje (básico), rodaje (mediocre), fotografía (mediocre x2), arte (inexistente) y todo lo que es parte de los oficios del cine, exceptuando la actuación, o quizás si hay una pésima actuación, dependiendo de cómo se mire, pues el tema de la película es la filmación de escenas que de por sí son absurdas, descontextualizadas y ridículas. Los personajes presentes son los mismos y únicos que están involucrados en el proyecto, exceptuando a los extras que caen en una suerte de azar que se escapa de las manos del guion técnico pero que aun así calzan perfectos en la película. Bernardo Quesney, interpretado por él mismo, siendo el director de la película que se quiere realizar en el relato (y que es el real director del film Efectos Especiales) se comporta de una manera egoísta, ambiciosa e inexperta frente a los demás personajes, quienes, teniendo sus propios problemas y fallos, discuten con Quesney constantemente al ver que nada le satisface. Este hace repetir en más de dos ocasiones cada escena, cambiando y sermoneando la aparente falta de profesionalismo de sus actrices. A su vez encara a su asistente (Paulo Orrego) y al camarógrafo (Nicolás Durán) por su incompetencia. Todo esto, si bien tiene una idea fundada, se nos presenta como una improvisación de principio a fin -cosa que creo fielmente fue así- y es aquí donde se hace cuestionable si el proyecto posee o no una buena actuación. Es cosa de verlo por capas: Dentro del relato, en la filmación de las escenas de la película de dudosa trama, ellas evidencian una mala actuación, olvidándose de los diálogos e interactuando sin cuidado con el director (este, cansado de la poca dedicación, decide introducirse como nuevo personaje y que sin dudas actúa peor que ellas). Pero si hablamos de la película a nivel más macro, de Efectos Especiales en sí misma, me parece que es grandiosa, tremendamente ingeniosa y profesional la actuación de no solo las actrices sino de todo el equipo.


Bernardo Quesney quiso jugar y hacernos confundir con esta película, adoptando el rol de Ed Wood como el peor director. La gran mayoría de los espectadores puede creer que la película es una mierda (así tal cual) y que incluso es una vergüenza para el cine, pero va más allá de eso, ya que, primero, admitámoslo, la película está mal hecha mas es la real intención y es eso lo que logra captar el interés del largometraje humorístico. Creo que es necesario hacer notar que es muy diferente la película misma y la película que se quiere lograr en el relato, sin embargo lo que las hace ir de la mano es el cómo está hecha. Es una suerte de Inception por si es que se puede decir de alguna manera: un sueño dentro de un sueño, una película dentro de una película, que es el tema que estamos tratando en esta sección del blog junto con mis compañeros.

Por último, el largometraje contiene una gran dosis de pedagogía, pues nos muestra como NO se debe hacer un proyecto audiovisual. Si es en broma o un juego, es aceptable, pero si es profesional no se puede caer en los errores expuestos en la película (solo miren el lente de la cámara cuando enfoca la luz, ¡está horrendamente cochino!) pero en este punto algo me entra en duda: ¿Efectos especiales está mal grabada? ¿Es una buena o mala película? Si queremos, podemos dejarlo como una gran paradoja.

miércoles, 23 de marzo de 2016

Making of 'Moonrise Kingdom'

  
  Un reino bajo la luna es drama estadounidense con toques humorísticos del año 2012 dirigida y escrita por Wes Anderson (The Grand Budapest Hotel, Fantastic Mr. Fox) y Roman Coppola en este último cargo.
La película posee un reparto coral, es decir, carece de personajes principales definidos y predispuestos, en cambio la agrupación de estos, su desarrollo en el relato -el cual puede o no relacionarse entre si- es lo que coge protagonismo. Podemos ver en acción a actores de alto renombre como Bruce Willis, Bill Murray, Tilda Swinton, Edward Norton y Jared Gilman.


    El film nos cuenta la historia de un huérfano de doce años (Sam Shakusky) que pertenece a un grupo de scouts, el cual aparenta no llevarse muy bien con sus pares y a su vez pasa desapercibido por los adultos. Cansado de pertenecer al régimen, decide fugarse con Suzy Bishop (amor de correo). El jefe veterano del campamento y los padres abogados de la joven, al percatarse de la ausencia de los suyos dan aviso a la policía para encontrar el paradero de los fugitivos. Geográficamente hablando, la película transcurre en una isla no tan poblada y de difícil acceso, lo que complica aun más el rescate. Luego de una serie de obstáculos, llenos de risas sutiles. dramas reveladores, y climas hostiles se logra dar con los jóvenes enamorados, asumiendo un nuevo desafío.

Making of:

    Fueron 16 millones de dólares los que se necesitaron para llevar a cabo esta película. Por otro lado fue rodada en diferentes lugares de Estados Unidos, como por ejemplo, la isla Prudente, la cual se encuentra en la bahía de Narragansett y que tiene la particularidad de no estar edificada, punto importante para el planteamiento geográfico del largometraje. Para las escenas del faro, de la iglesia, entre otros, se usaron locaciones como Rhode Island y Manhattan. El reparto en su mayoría está constituido por pre-adolescentes y un resumido y conciso grupo de adultos, el cual sugiere -a simple vista- un espectáculo para todas las edades pero que en el fondo comparte una experiencia para espectadores más maduros. Una de las cosas que más cabe destacar en este proyecto es la gama de colores que se hacen presentes, es como si toda la película estuviera representada por la misma paleta de colores, bien escogida y elaborada pues nada es fortuito aquí, la estética es maravillosa, es como comer el pastel perfecto, suave y consistente, como mazapán, todo gracias a Robert D. Yeoman quien es el director de fotografía. ¡Aplausos para él! 
    El making of nos muestra primeramente un extracto del tráiler y enseguida vemos a Murray que comienza a hablarnos sobre su personaje y el trabajo de Anderson, mientras aparecen escenas del equipo de filmación haciendo lo suyo. Luego vemos al escritor Roman Coppola, al actor Jason Schwartzman, Edward Norton, Bruce Willis, entre otros comentando el tema de la película y sus implicaciones; la habilidad de Anderson para pensar en los detalles, su visión y pensamiento creativo.
    Si bien no pertenecen al making of mismo, existen unos vídeos en los cuales se evidencia todo lo que ocurre detrás de cámara, como el manejo de cámaras, fierros, cables, micrófonos, luces, pantallas, sugerencias del director y ensayos y errores. Esto hace notar la dedicación que le colocó Anderson a su película y los diferentes roles que existen en un grupo realizador: