Cine Chileno: Que Pena Tu Vida

Sinopsis:

          Cuenta los problemas de un joven de 29 años que ve cómo se queda sin trabajo y sin novia. Meses después vuelve para reconciliarse con ella, pero se encuentra con que la chica ya tiene nueva pareja.

     Que Pena Tu Vida  es una pelicula chilena estrenada en el 2010, dirigida por Nicolás López que ya tenía en su curriculum el éxito de Promedio Rojo (2004) producto de sus días como un jóven columnista en El Mercurio, y tambíen sus siguiente película, Santos, la película (2007). Que Pena Tu Vida es por asi decirse el segundo gran estreno a nivel nacional de esta decada despues de La Nana, con la diferencia que esta tuvo gran reconocimiento internacional, mientras que Que Pena Tu Vida repercutió solamente en territorio nacional, y no es para culparla, pues aunque el tema que trata podría pasar en cualquier parte del mundo, la manera en que se muestra y se trata es claramente de una idiosincracia única en su manera de expresarse, la chilena.

        A pesar de su exito como taquilla debido a la amplia publicidad que se le hizo y a su aparicion en redes sociales (que recepcionaba al público mayoritariamente objetivo de la pelicula), Que Pena Tu Vida tuvo en su gran mayoría críticas negativas por parte de los críticos especializados, asi por ejemplo, el reconocido periodista de espectaculos a nivel nacional, Ítalo Passalacqua la calificó con un 3 de un total de 7.

           Como dije anteriormente, su recepción por los críticos no fue buena, pero eso no evito que se convirtiese en un exito de taquilla, tanto así que logró conseguir la luz verde para su segunda parte llamada "Que Pena Tu Boda", e inlcuso también hasta a una tercera, "Que Pena Tu Familia" , siendo esta la última poniendo fin a la trilogía de peliculas.

         Que Pena Tu Vida a mi parecer muestra lo que una historia cercana a la realidad que vive el amor "joven" en un país puede llegar a provocar a nivel de expectacion y espectulo, provocando querer ir a verla, sin que el público sepa la simplicidad tecnica en cuanto a con qué se grabó (una sola cámara, la Canon EOS 7D -cámara de fotos-), ni el apretadísimo presupuesto que había ($500.000 según IMDB)

         Como dije anteriormente, es una película contada por y para un público chileno debido al manejo del lenguaje y de formas de hablar explicitamente chilenas en muchas partes de la película, aunque no en todos los casos, siendo estas algunas de las frases que quedaron para el recuerdo entre todos aquellos que han visto esta película:

FIN!



Ficha Tecnica:



Título:Que Pena Tu Vida
Dirección: Nicolás López
Producción: Miguel Asensio Llama, Carlos Hanse, Carlos Garrig, Pablo Courar, Carlos Anay.
Guion: Nicolás López
Música: Manuel Riveiro
Fotografía: Antonio Quercia
Montaje: Diego Macho Gómez
Protagonistas:  Ariel Levy, Lucy Cominetti, Andrea Velasco.
País:Chile
Año: 2010
Género: Comedia, Drama, Romance
Duración: 94 minutos
Idioma: Español
Productora: Sobras.com Producciones

Cortometraje sin Sonido: The Sandman

Cortometraje sin Sonido

Ficha Técnica

Año: 1991

Duración: 9 min

País: Reino Unido

Director: Paul Berry

Guión: Paul Berry

Fotografía: Paul Berry

Género: Stop-Motion, Terror

Sandman

Inspirado en un relato del alemán E.T.A. Hoffman (“Der Sandmann”), narra la historia de un niño que se va a dormir pero es incapaz de coger el sueño. "El hombre de arena" o Sadman es una criatura del folklore occidental que se dedica a echar arena mágica en los ojos de los niños para que tengan buenos sueños. En este cortometraje de Paul Berry, la historia que se nos cuenta se basa en la reimaginación macabra y sádica del personaje que escribió E.T.A. Hoffman en su historia corta "Der Sandman" (1816). Afortunadamente, he de decir.

Paul Berry, director de esta pequeña maravilla, falleció prematuramente en 2001. Pero su mano puede verse en casi toda la obra de Henry Sellick, donde trabajó como animador en "Pesadilla Antes de Navidad", "James y el Melocotón Gigante" e incluso "Monkey Bone". De hecho, el ya clásico film "de Tim Burton" (vamos, Pesadilla), toma claramente prestados elementos de este cortometraje nominado al Oscar, tanto visuales como temáticos, una inspiración tan evidente como agradecible, de la misma forma que Berry recurre al expresionismo alemán para dotar a los escenarios de vida propia u otros films como "Vincent" (1984) del propio Tim Burton, en cierta escena en la que el protagonista sube unas escaleras , o "Krysar" (1985) en el uso de la iluminación.

Animada en stop motion, como todos los trabajos previamente citados, "The Sandman" cuenta la historia de un niño que se va a dormir y de una criatura, el Sandman, que busca su próxima presa. Decir algo más sería estropear la macabra sorpresa que se esconde en un guión milimétricamente planificado, en el que no falta absolutamente nada: intriga, suspense, terror e incluso gore. Berry murió demasiado pronto y no pudo seguir explotando su magnifico talento, pero su legado es importante: a "Pesadilla Antes de Navidad" se le une "The Sandman". A ver cuantos animadores pueden presumir de haber formado parte -total o parcial- de dos clásicos del género y, sin duda, los mejores exponentes del terror animado de la década de los 90, junto a otras joyitas como "Felidae" (1994). Para mí, una auténtica joya injustamente olvidada.

Cortometraje Completo

Cine Latinoamericano: El abrazo de la serpiente

Cine Latinoamericano

Ficha tecnica

Año: 2015

Duración: 125 min

País: Colombia

Director: Ciro Guerra

Guión: Ciro Guerra

Música: Nascuy Linares

Fotografía: David Gallego

Género: Drama y Aventura

El Abrazo de la Serpiente

Karamakate fue en su día un poderoso chamán del Amazonas; es el último superviviente de su pueblo y vive en lo más profundo de la selva. Lleva años en total soledad, que lo han convertido en "chullachaqui", una cáscara vacía de hombre, privado de emociones y recuerdos. Pero su solitaria vida da un vuelco el día en que a su remota guarida llega Evan, un etnobotánico norteamericano en busca de la yakruna, una poderosa planta oculta, capaz de enseñar a soñar. Karamakate accede a acompañar a Evan en su búsqueda y juntos emprenden un viaje al corazón de la selva en el que el pasado, presente y futuro se confunden, y en el que el chamán irá recuperando sus recuerdos perdidos.

El tercer largometraje de Ciro Guerra es una obra especialísima y gigante, de una belleza indescriptible, que proporciona una experiencia única.

Guerra ya había demostrado en sus anteriores trabajos su gran talento para narrar historias cargadas de lirismo, acompañada en su película más reciente de un gran despliegue visual que no solo se repite en «El abrazo de la serpiente» sino que es superado con creces, consiguiendo una de las cintas visualmente más impactantes que se han visto este año, en la que cada plano respira al tiempo que transmite al espectador la pureza del aire del Amazonas, una región que el director sabe exprimir al máximo, captando su misterio, su belleza y su magia.

No han sido pocas las obras maestras con las que ha sido comparada «El abrazo de la serpiente». La comparación más escuchada es la que la relaciona con la«Apocalypse Now» de Francis Ford Coppola, a la cual recuerda por sus largas travesías por el río a través de la inhóspita selva, y aunque la referencia más clara es la de Herzog, el viaje espiritual que al que se someten los protagonistas y el misticismo que desprende me trae el recuerdo de la magnética y mágica «Dead Man» de Jim Jarmusch.

Trailer

Cine Chileno: La memoria del agua

Cine Chileno

Ficha Técnica

Año: 2015

Duración: 88 min

País: Chile

Director: Matías Bize

Guión: Matías Bize

Música: Diego Fontecilla

Fotografía: Arnaldo Rodríguez

Género: Drama

La Memoria del Agua

Amanda y Javier se separan tras la muerte de su hijo. Cada uno a su modo tratará de reconstruir su vida, una desde el dolor, el otro desde la evasión. Juntos emprenderán un viaje que podría volver a reunirlos como pareja, pero que también les hará comprender que el amor no basta para sobreponerse a la tragedia que les ha tocado vivir.

La cinta comienza en el instante mismo de la separación entre Javier (Vicuña) y Amanda (Anaya), a causa de un despojo, trágico e irreparable, que les ha sacudido la existencia que llevaban en común. Ese quiebre, lo utiliza Bize, para empezar a relatar (a través de la cámara), la vida íntima, después de esa ruptura, tanto de él, como de ella, pero centrado un poco más en la soledad, en la tristeza y en la desorientación, del integrante masculino de ese extinto vínculo amoroso. Estamos situados en Santiago de Chile, aunque podríamos encontrarnos en cualquier otra ciudad moderna y populosa, donde se hable mayoritariamente el castellano, y los vehículos transitan en espectaculares autopistas.

En ese contexto dramático, el director empieza a desarrollar su pensamiento estético y cinematográfico: primeros y primerísimos planos, ángulos fotográficos cerrados (con una que otra concesión, por supuesto), y una cámara que se mueve con la realidad y la “imprecisión”, en ocasiones, de un foco y un lente, portados en mano. Otro detalle audiovisual digno de anotar, es que para efectos espaciales y ambientales, el tiempo narrativo de la cinta, se extiende entre el otoño, y lo que parece ser la primavera de una misma temporada; con el posible estímulo afectivo y sensorial que esa situación representa tanto para los personajes, como sobre la visión que se hagan del asunto, los espectadores instalados en la butaca de una sala de cine.

La elección de Matías Bize por esta forma de expresar audiovisualmente sus motivaciones artísticas y temáticas (los rostros de los personajes, abarcan y prevalecen en casi la totalidad del encuadre), equivalen a un recurso de crear una puesta en escena, ya detectable en el realizador chileno desde su ópera prima:Sábado (2003), y reiterada en títulos como En la cama (2005), Lo bueno de llorar(2006), este último uno de sus créditos más audaces, creativamente hablando; y enLa vida de los peces (2010), ganadora de un premio Goya a la Mejor Película Hispanoamericana, hace más de cuatro años (2011).

Videoclip "La memoria del agua"

Cine de Mujer: Olympia

Cine de Mujeres

Ficha Técnica

Año:1938

Duración: 226 minutos

País: Alemania

Director: Leni Riefenstahl

Guión: Leni Riefenstahl

Música: Herbert Windt

Fotografía: Paul Holzki

Género: Documental Deportivo

Olympia

Documental sobre los Juegos Olímpicos celebrados en la ciudad de Berlín en 1936 durante el periodo de mayor esplendor Nazi. Dividida en dos partes de 118 y 107 minutos, respectivamente, el atletismo ocupa buena parte de su metraje, incluida la primera parte en su integridad. La segunda incluye imágenes de gimnasia, vela, pentatlón, decatlón, hockey sobre hierba, polo, fútbol, ciclismo, hípica, remo, salto y natación. Todo esto en un resultado magistral y preciosista, una oda al cuerpo humano.

Dicen que, para Hitler, Leni Riefenstahl representó la mujer ideal. Sin lugar a duda representaba los valores del Nacional socialismo. Fue una trabajadora incansable que no sólo interpretaba y dirigía, sino que también escribía los guiones y cortaba y montaba la cinta. Tenía fama de ser meticulosa hasta extremos imposibles. Cuentan que era capaz de estar cambiando de lugar los árboles de un decorado durante días enteros hasta lograr el encuadre adecuado.

En Olimpiada con 35 cámaras y numerosos teleobjetivos, captó los pequeños detalles de cada competición. Tuvo a 60 operadores trabajando a sus órdenes y experimentó con métodos revolucionarios para la época, colocó ruedas bajo las cámaras para poder seguir la marcha de los atletas y cavar fosos en el estadio para captar los saltos desde una perspectiva aérea. Se valió de un objetivo de 600 mm, el de más largo alcance y de una cámara subacuática, ideada especialmente por uno de sus colaboradores para los saltos de trampolín.

El resultado fueron más de 400.000 metros de película, que redujo a 100.000. El trabajo de montaje duró casi dos años con un afán y un rigor que ponía nervioso a Josef Goebbels, responsable de Propaganda del régimen nazi.

Link Trailer

Cine Dentro del Cine: “Maps to the Stars” David Cronenberg

Cine Dentro del Cine

“Maps to the Stars” David Cronenberg

Ficha Técnica

Año: 2014

Duración: 111 min.

País: Canadá

Director: David Cronenberg

Guión: Bruce Wagner

Música: Howard Shore

Fotografía: Peter Suschitzky

Protagonistas: Julianne Moore, Mia Wasikowska, Robert Pattinson, John Cusack, Olivia Williams y Evan Bird.

Género: Drama. Comedia negra. Cine dentro del cine

Premios:

Globos de Oro 2014: Nominada a Mejor actriz - Comedia (Moore)

Festival de Cannes 2014: Mejor actriz (Julianne Moore)

Festival de Sitges 2014: Mejor actriz (Julianne Moore)

Sinopsis

Havana Segrand (Julianne Moore) es una actriz famosa de Hollywood que la industria está apunto de desechar, pero antes le tocará interpretar el papel  que hizo su madre en los años 60. Stafford Weiss (John Cusack) es su terapeuta, él vive junto a su mujer, Christina (Olivia Williams) y su hijo Benjie (Evan Bird), una antigua estrella de TV en rehabilitación. 

La precaria estabilidad de todos acabará por derrumbarse cuando Havana contrata como asistente a Agatha (Mia Wasikowska), una extraña joven que acaba de llegar a Los Ángeles. Ella se encargará de evidenciar la decadencia que se esconde bajo el brillo de las estrellas.

Reseña

Al más puro estilo Cronenberg, desde lo bizarro, la putrefacción, la perversión y la des-carne, Maps To The Star es la humanización de Hollywood con todos sus excesos y locuras, porque los famosos también sangran, tienen sexo, sudan, eyaculan, se engañan, rechazan, matan, sufren y mueren. 

Esta película nos muestra que la real perversidad es la de la industria cinematográfica, la cual sistemáticamente se ha encargado de destruir personas. Toman a alguien, lo elevan con cuerdas hasta las estrellas haciéndoles creer que vuelan y desde lo mas alto los dejan caer sin aviso, y así sucesivamente. Sin embargo lo que Cronenberg hace al permitirnos entrar en los autos, las casas, los baños y las camas de los famosos, es demostrarnos que nosotros alimentamos a esas pobres criaturas, nosotros los titulamos de “estrellas”, les dimos un espacio en nuestro cielo y no les permitimos bajar de ahí, cuando realmente siempre estarán en la tierra y limitados a mirar las estrellas. 

Julieta Morales

En blanco amazing

cine chileno :gloria

Dirección: Sebastián Lelio

 Guión: Sebastián Lelio y Gonzalo Maza

 Fotografía: Benjamín Echazarreta

Edición: Sebastián Lelio, Soledad Salfate

 Elenco: Paulina García, Sergio Hernández, Diego Fontecilla, Fabiola Zamora, Luz Giménez, Alejandro Goic, Liliana García

Duración: 110 minutos 

Gloria una mujer de 50 y algo años que lleva 12 divorciada conoce a Rodolfo con el que tiene una relación que  comienza a tener complicaciones

Otro punto importante es la honestidad: cuando hay enojo hay enojo, cuando hay contradicción no se disimula, y la indecisión y la espera se ponen en escena sin énfasis y sin apuro, y cuando hay sexo hay sexo, y también desnudos.

Podemos ver también representaciones de la juventud actual en los hijos de Gloria  y en las  marchas estudiantiles que podemos ver en algunas escenas

Si bien hay mejores películas chilenas que gloria sería injusto no destacar esta obra  que paso un poco desapercibida